13 спектаклей, 1 концерт, 3 творческие встречи, 3 лекции, студенческая лаборатория, профессиональные обсуждения — таким запомнился XXII Международный фестиваль «Радуга», проходивший в течение 7 дней в ТЮЗе имени А.А. Брянцева. Коллективы из Сербии, Греции, Литвы, Абхазии, России, в том числе Татарстана, привезли свои самобытные талантливые работы, которые смогли познакомить с творческим миром уже состоявшихся и молодых режиссеров. Эмир Кустурица, Оскарас Коршуновас, Сергей Женовач, Андрей Прикотенко и на другом полюсе Артем Устинов, Женя Беркович, Дмитрий Егоров, Айдар Заббаров нарисовали полноценную картину современного развивающегося театра. О том, как прошел фестиваль, читайте в нашем материале.
Начался фестиваль 27 мая с закладки именных звезд на «Аллее славы». Стремление сохранить память об артистах, внесших вклад в историю развития искусства России, пять лет назад сподвигло театр на создание аллеи, где за это время появились звезды Бориса Эйфмана, Льва Додина, Алисы Фрейндлих, Юрия Темирканова, Ирины Богачевой и Олега Басилашвили. На этот раз звезды получили народные артисты Ирина Соколова и Михаил Боярский.
День города продолжили отмечать концертом The No Smoking Orchestra, солистом и бас-гитаристом которой является сербский кинорежиссер Эмир Кустурица. Группа исполнила известные песни из кинофильмов «Жизнь прекрасна», «Андерграунд», «Черная кошка, белый кот», а также другие популярные композиции. Зажигательная рок-фолк музыка, импровизация и обаяние режиссера, любовь и уважение зрительного зала наполнили безудержной энергией первый день фестиваля. На следующий день Эмир Кустурица принял участие в пресс-конференции, где рассказал о проведении музыкальных, театральных и кино-фестивалей в аутентичной сербской деревне Мокра Гора, воссозданной режиссером для съемки фильма «Жизнь прекрасна» и превратившейся в площадку для проведения творческих встреч с коллективами со всего мира. ТЮЗ был также приглашен к участию в фестивале.
Фестивальные спектакли программы 2021 года корректируются с действительностью, а некоторые даже имеют документальную подоплеку, представляя современную интерпретацию важных событий нашей страны. Постановка «Чернобыльская молитва» Дмитрия Егорова (Никитинский театр, Воронеж) по роману Светланы Алексиевич в лаконичной форме очертила внезапность трагедии и поведенческие стереотипы. Желание услышать истинный глас истории — увидеть внутренний мир обычных людей, ученых, солдат, тревожило создателей спектакля. Вопросы неверия и человеческой беспечности, стремления любить и непонимания, за что он наказан, невозможности говорить о своей боли, отсутствия героизма и осознания ответственности выбора, становятся центральными.
Спектакль проходит в темноте, на самой глубине страданий персонажей, постепенно загорается гирлянда, плотно окутывающая землю и являющаяся символом заражённости, и делается зримой мысль о том, что не всегда свет, благие начинания приносят благополучие, порой они провоцируют тьму. Радостные документальные аудиозаписи строящих атомную электростанцию людей полны надежды на светлое будущее и осознания важности создаваемого, противопоставлены ужасу ситуации. Попутно возникает тема пост-принятия катастрофы, с шутками в стиле КВН о произошедшем, подчеркивающими невозможность осознать чужое горе. Время стирает из памяти людей и значимость события, но горький опыт не может не послужить потомкам уроком. Трагичный сюжет заканчивается на оптимистичной ноте и призывом к жизни, акцентируя внимание на том, что человек может рассчитывать только на самого себя.
Постановка «Дай найти слова» Андрея Слепухина (ТЮЗ, Санкт-Петербург) — это прорыв и первая работа режиссера и актера в родном театре. Материалом послужила книга «Время сердца», в основе которой документальная переписка Ингеборг Бахман и Пауля Целана, известных поэтов XX века. Непростые взаимоотношения творческих личностей, их стремление найти правильные слова для того, чтобы выразить свои чувства и преодолеть тем самым геноцид отношений между людьми, возникший во время Второй мировой войны, пронизывает работу.
Стильный, лаконичный спектакль существует на грани художественного и документального театра, рисуя тонкую работу артистов и всей постановочной команды. Спектакль «Считалка» Жени Беркович (Независимый театральный проект «Дочери Сосо», Москва) оперирует текстом Тамты Мелашвили, анализирующим грузинско-абхазский конфликт. Дружба двух девочек, проживающих в окруженной военными действиями деревне, их попытка не терять надежду на спасение, необходимость делать сложный выбор, принося себя в жертву, поражает своей пытливостью в исследовании примет времени и характеров. Музыкальность, разножанровость, сочетание метафоричного и реалистичного языка, свобода интерпретации выделяет эту работу. На пресс-конференции Женя Беркович рассказала о том, как приходится существовать негосударственным проектам и какие правила царят в ее театральном доме. Таким образом, вопросы личного выбора, желания за абстрактным понятием «власть» найти лицо человека, необратимость травм становятся центральными в этих сюжетах, напрямую связанных с нашей действительностью.
Жанр абсурда продолжает оставаться увлекать творческое сознание режиссёров и остается яркой призмой для переосмысления, казалось бы, ежедневных и привычных вещей. Спектакль «Человек из Подольска» Оскараса Коршуноваса (Вильнюсский городской театр) рисует некое продолжение текста Дмитрия Данилова: второй заключенный, Сережа, наученный своими мастерами и считающий, что он имеет право на ментальное насилие над другими, ставит свой эксперимент над публикой, постепенно переходя границы общения. Попытка полиции помочь человеку осознать, кто он есть, растаптывает главного героя: мышление индивидуума не вписывается в существующие нормы восприятия государства. Абсурдистский спектакль размышляет, как глубоко проникает, казалось бы, незаметное и безболезненное насилие над человеческой волей со стороны социума.
В работе Юрия Муравицкого «The dumb waiter/Немой официант» (Театр «Человек», Москва) возникают параллели с пьесой «В ожидании Годо», адаптированной под современный момент. Наемные убийцы ждут информацию о заказе, ведут бытовые беседы, обсуждают непонятные действия, которые происходят. Они общаются с внешним миром с помощью старого кухонного лифта для подачи еды, самозабвенно посылая все продовольствие, что у них есть. Необходимость отдавать практически не вызывает удивления у героев: попытка аналитики ситуации оказывается вторична, они готовы жить по шаблону и требованиям, которые выставляет окружающий мир. Обезличенные герои двигаются как персонажи компьютерной игры, не имеющие воли к самостоятельному решению. Соединение жанра блокбастера, с узнаваемыми американскими коллизиями и театром абсурда позволяет насладиться игровым театром.
Спектакль «Старуха» Сергея Женовача («Студия театрального искусства», Москва), созданный по произведениям Даниила Хармса, оказывается наполнен студенческой импровизацией. Абсурдистская история о таинственной преграде, мешающей творить, позволяет окунуться в сознание автора, тщетно ищущего способ конкретизации мысли. Личность героя распадается на 8 мужских образов, 8 вываливающихся из окна старух в 8 девушек, ожидающих любви, и ситуация абсурда растёт снежным комом. На пресс-конференции Сергей Женовач подчеркнул интерес к авторам начала XX века, а так же важность проявления свободы во время творческого поиска молодых режиссеров.
События далекого античного прошлого не менее увлекательны для режиссеров и дают импульсы к познанию человеческой личности. Артем Устинов в спектакле «Электра» (Русский театр драмы им. Ф. Искандера, Сухум) размышляет о справедливости, жажде идти до конца и двоякости правды. Режиссёр вписывает действие в современные реалии, находя древнегреческих персонажей в людях 21 века, анализирует, как сейчас проявляют себя мифы и какие деформации произошли за это время. Музыкальные композиции позволяют добавить действию напряженности и направляют героев, звуча камертоном их боли. Замечательна исполнена роль Электры, которая словно пронизана токами ненависти и одиночества. Гамлетовское мироощущение, но с более характерным природным и животным оттенком, правит героиней. Потребность в любви, столкновение эгоизмов, собственной убеждённости в правде каждого толкает героев на самые разрушительные поступки. Тема наследования пороков и невозможность выйти из круга мести, волнует режиссёра. Вневременное пространство, гул времени, в котором перемешано прошлое, настоящее и будущее, рисует насыщенную, пронзительную трагедию. Исступлённая боль, мрачное забвение и одиночество Электры вторит изгнанию Ареста, мукам преступной матери, множа страдание. Детское сознание персонажей прорывается светлыми пятнами через мрак предания, представляя потерянный рай.
Спектакль «Антигона» (Пермский академический «Театр-Театр») Романа Феодори в основе которого лежит либретто Жени Беркович, познакомил с фееричной, быстронесущейся по фабуле трагедией столкновения родовых и государственных законов. Жанровое определение постановки — «опера для драматических артистов», композитором которой выступила Ольга Шайдуллина, позволила проявить актерам свои вокальные способности. Апокалипсическое восприятие мира, сознательная тяга к разрушению, невозможность преодолеть систему и функционирование в рамках «должностных обязанностей», столкновение личного и общественного вызывает конфликт, приводящий к окончательному разрыву семейного очага. Выдающаяся работа стала украшением фестиваля.
Более личная, но, тем не менее связанная с античным восприятием рока история разворачивается в спектакле «Грех моей матери» (Греция) Данаи Руссу. Актриса Рене Киприоти существует в моноспектакле статично-напряжённо, минимализм художественных средств полностью концентрирует внимание на человеке. Актриса передает различные точки зрения на ситуацию, сначала с позиции мальчика погружаясь в трагизм детского существования, а затем обращаясь к образу матери. Героине не удается изжить горе и ненависть к себе: эгоистичное проживание собственного греха только множит новые и не позволяет поменять ракурс внимания на требующих любви детей.
Произведения современных драматургов тоже погружаются в пучину семейных связей и сложности коммуникации между людьми. Спектакль Ирины Астафьевой «Лёха» (Алтайский краевой театр драмы им. В. Шукшина, Барнаул) — автобиографическая лирическая песнь драматурга Юлии Поспеловой о любви, эгоизме, двоякости счастья. Замечателен образ главного героя, деда Саши, встретившего свою любовь лишь в конце жизни. Трепет позднего чувства, желание рассказать сыну о том, что такое истинная любовь и сохранить родимое гнездо, наполняет героя. Тепло родных теряется со временем, а ведь только это и дает стимул к существованию. Равнодушие и потребительское отношение губительно для человека, о чем интенсивно напоминает спектакль.
Постановка Айдар Заббарова «Покаяние» (Буинский драматический театр, Казань) интерпретирует феномен насилия и принятии правомерности своих поступков. Спектакль основан на автобиографичном тексте Искандера Сиразиева, повествующего о страшном проклятии, преследовавшем председателя колхоза, бесчинствовавшего во время войны. Все дети председателя умирают один за другим, а земля не отпускает уже парализованного человека, заставляя покаяться в своих грехах. Спектакль познакомил с необычной формой повествования и смог раскрыть внутренний мир парализованного человека, тщетно хватающегося за свою правоту.
В спектакле «Железнова Васса. Мать» Уланбека Баялиева (Свердовский академический театр драмы, Екатеринбург) тема ухода и умирания человека тоже становится основной. В постановке использована первая редакция пьесы, в центре которой взаимоотношения между своими-чужими, желание сберечь родовое имущество (ради кого?), мужская несостоятельность. Мечта о рождении подходящих наследников, желание привить любовь к работе, холодность к родным детям наполняет характер хозяйки дома. Пытающиеся прорваться к власти и занять лидирующую позицию дети абсолютно нежизнеспособны, как и весь умирающий дом.
Самым знаковым спектаклем фестиваля оказалась работа Андрея Прикотенко «Идиот» (Театр «Старый дом», Пермь). Погружение в современные реалии, конъюктурность текста тонка и узнаваема, а жанр детективного расследования наполняет спектакль дополнительным драйвом. Мышкин, съедаемый различными чувствами, бесовскими в том числе, страдает за весь мир. Физиологичный спектакль рисует агонизирующие души персонажей. Идиотами оказываются все, а Мышкин — душой каждого героя, нуждающейся в любви и умирающей в муках. Как только появляется неравнодушная, чистая личность, система, построенная на лжи и обмане, начинает давать сбои и рушиться. Но Мышкину удается, путем чрезмерных мучений, остаться не вне жизни, а в самом ее эпицентре. В стеклянном лабиринте холодного офиса зеркалят отражения героев, оказывающихся идентичными в своих страданиях, нещадно требующих от мира спасения, ранящих других своей болью и тем самым стократно увеличивающих ее. Равнодушие мира и невозможность изжить травму притягивает внимание режиссёра, стремящегося сделать слово Достоевского понятным здесь и сейчас.
XXII Международный фестиваль «Радуга» позволил совершить кругосветное путешествие по миру, увидеть множество громких спектаклей и проанализировать пути развития российского и европейского театра.
Елизавета Ронгинская